바흐 B-A-C-H 모티프의 음악적 의미와 그 전개 및 응용

서론

B-A-C-H 모티프는 독일식 음이름 표기법에 따라 B♭-A-C-B♮로 구성된 네 음의 음열로, 요한 제바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach)의 이름을 음악적으로 표현한 것이다. 독일 표기법에서 B는 B♭를, H는 B♮를 의미하는데, 이러한 독특한 체계가 작곡가의 성을 음으로 치환할 수 있게 만들었다. 이 모티프는 단순한 음악적 소재를 넘어 작곡가의 자기표현이자 음악적 서명으로 기능하며, 바흐 자신도 자작곡에서 이를 활용했다는 점에서 특별한 의미를 지닌다.

 

바흐가 이 모티프를 직접 사용한 가장 대표적인 예는 《예술의 푸가》(The Art of Fugue)의 마지막 미완성 푸가이다. 이 작품에서 바흐는 자신의 이름을 푸가의 주제로 삽입함으로써, 음악적 유산 속에 자신의 존재를 각인하려 했다고 해석된다. B-A-C-H 모티프를 중심 주제로 삼는 이유는 이것이 단순한 음악적 모티프를 넘어 '자기표현', '상징', '작곡가의 흔적'이라는 다층적 의미를 내포하기 때문이다. 이 네 음의 연쇄는 음악사를 관통하며 수많은 작곡가들에게 영감을 주었고, 오늘날 AI 작곡 시대에도 전통과 혁신을 잇는 상징적 매개체로 주목받고 있다.

음악적·기보적 배경

18세기 독일의 음이름 표기법은 다른 유럽 국가들과 구별되는 독특한 체계를 가지고 있었다. 일반적으로 유럽에서는 A, B, C, D, E, F, G의 일곱 음을 기본으로 하지만, 독일에서는 B음을 B♭로, H음을 B♮로 구분하여 표기했다. 이러한 체계는 중세 음악 이론에서 유래한 것으로, '헥사코드' 이론과 밀접한 관련이 있다. B♭은 'B molle'(부드러운 B), B♮은 'B durum'(단단한 B)으로 불렸고, 이것이 각각 B와 H로 정착된 것이다.

 

이 표기법 덕분에 'BACH'라는 이름은 자연스럽게 B♭-A-C-B♮라는 음열로 전환된다. 이 네 음은 음악적으로 매우 흥미로운 구조를 가지고 있다. B♭에서 A로의 반음 하강, A에서 C로의 단3도 상승, C에서 B♮로의 반음 하강이라는 불규칙한 움직임은 선율적 긴장감을 형성하며, 동시에 화성적 가능성을 풍부하게 제공한다. 특히 B♭과 B♮이라는 변화음의 존재는 이 모티프를 조성적으로 모호하게 만들어, 다양한 조성과 화성적 맥락에 삽입될 수 있게 한다.

 

바흐는 이 모티프를 리듬적으로도 다양하게 배치할 수 있었다. 네 음을 동등한 음가로 제시할 수도 있고, 특정 음을 강조하거나 리듬을 변형함으로써 모티프의 성격을 바꿀 수도 있었다. 《예술의 푸가》에서 바흐는 이 모티프를 푸가 주제의 일부로 삽입했는데, 이는 대위법적 처리가 가능한 소재로서 B-A-C-H 모티프가 얼마나 적합한지를 보여준다. 전위(inversion), 역행(retrograde), 반행(retrograde inversion), 확대(augmentation), 축소(diminution) 등 푸가의 모든 변형 기법을 적용할 수 있다는 점에서, 이 모티프는 바로크 대위법의 이상적인 소재였다.

역사적 전개와 수용

바흐 사후부터 18세기 말까지 B-A-C-H 모티프는 널리 인지되지 않았다. 바흐의 음악 자체가 한동안 잊혀졌고, 그의 작품들은 주로 교육용 자료로만 활용되었다. 그러나 19세기 초반 펠릭스 멘델스존을 중심으로 한 바흐 부흥 운동이 시작되면서 상황이 달라졌다. 멘델스존이 1829년 《마태 수난곡》을 재연주하면서 바흐의 음악은 다시금 대중과 음악가들의 관심을 받게 되었고, 이와 함께 B-A-C-H 모티프도 재조명되었다.

 

19세기 낭만파 작곡가들은 바흐에 대한 경의와 존경을 표현하는 수단으로 이 모티프를 적극적으로 차용했다. 로베르트 슈만은 1845년 《바흐 주제에 의한 여섯 개의 푸가》(Six Fugues on B-A-C-H, Op. 60)를 작곡했는데, 이는 오르간을 위한 작품으로 B-A-C-H 모티프를 각 푸가의 주제로 삼았다. 슈만은 이 작품을 통해 바흐의 대위법 전통을 계승하면서도 낭만주의적 화성과 표현을 결합하려 했다. 프란츠 리스트는 1855년 《바흐의 이름에 의한 환상곡과 푸가》(Fantasy and Fugue on B-A-C-H)를 작곡했는데, 이는 오르간의 거대한 음향과 화려한 기교를 동원하여 바흐에 대한 숭배를 표현한 작품이다.

 

율리히 프린츠(Ulrich Prinz)의 연구에 따르면, 17세기부터 20세기까지 400여 작품 이상이 B-A-C-H 모티프를 사용했다고 한다. 이는 단순한 인용을 넘어 하나의 음악적 전통으로 자리잡았음을 의미한다. 요하네스 브람스, 막스 레거, 아르놀트 쇤베르크, 안톤 베베른, 프란시스 풀랑크, 아르보 패르트 등 다양한 시대와 양식의 작곡가들이 이 모티프를 자신의 작품에 포함시켰다. 특히 20세기 작곡가들은 이를 단순한 경의의 표현을 넘어, 음악사적 연속성과 자신의 정체성을 확인하는 수단으로 활용했다.

 

20세기에 들어서면서 B-A-C-H 모티프는 12음기법과도 결합되었다. 쇤베르크와 베베른은 이 모티프를 음렬(tone row)의 일부로 포함시키거나, 음렬 구성의 출발점으로 삼았다. 이는 전통적 조성 체계를 거부한 무조음악에서도 바흐라는 역사적 상징이 여전히 의미를 가질 수 있음을 보여준다. 현대 작곡가들은 이 모티프를 작곡가의 자전적 코드로 활용하기도 하는데, 자신의 음악적 뿌리를 바흐에 두거나, 바흐의 정신을 계승한다는 의지를 표현하는 방식으로 사용한다.

상징론 및 의미론

B-A-C-H 모티프는 단순한 음의 연쇄 이상의 의미를 지닌다. 이는 작곡가의 서명이자 음악적 자화상으로 해석될 수 있다. 바흐가 자신의 이름을 음악에 새겨넣은 행위는 예술 작품에 작가의 존재를 각인하는 서구 예술 전통의 일환으로 볼 수 있다. 르네상스 시대의 화가들이 그림 한 구석에 자신의 서명을 남긴 것처럼, 바흐는 음악이라는 청각적 매체에 자신의 이름을 남겼다.

일부 연구자들은 이 모티프를 더 깊이 있게 해석하려 시도한다. 바흐의 음악이 루터교적 세계관과 밀접하게 연결되어 있다는 점에서, B-A-C-H 모티프를 종교적 상징으로 읽는 시도가 있다. 예를 들어, 네 음의 구조를 십자가의 상징으로 보거나, 상승과 하강의 움직임을 구원과 타락의 신학적 의미와 연결짓는 해석이 제시되기도 한다. 또한 B-A-C-H를 'Basso, Alto, Contratenor, Hautus'(저음, 알토, 대위성부, 고음)라는 4성 성부의 약자로 보는 해석도 있는데, 이는 바흐의 코랄 작품이 주로 4성부로 구성된다는 점과 연결된다.

 

그러나 이러한 상징적 해석에는 과잉 해석의 위험이 있다. 모든 음악적 요소를 상징으로 환원하려는 시도는 음악의 자율적 가치를 훼손할 수 있으며, 작곡가의 의도를 지나치게 확대 해석할 수 있다. 바흐가 실제로 이러한 상징적 의미를 의도했는지는 명확하지 않으며, 후대의 해석자들이 자신의 관점을 투사한 결과일 가능성도 있다. 따라서 B-A-C-H 모티프를 다룰 때는 음악적 사실과 상징적 해석을 구분하는 신중함이 필요하다.

 

암호적 작곡(musical cryptogram) 관점에서 보면, B-A-C-H 모티프는 음악 텍스트 내부에 감춰진 메시지의 일종이다. 중세부터 르네상스를 거쳐 바로크 시대까지, 작곡가들은 종종 자신의 이름이나 특정 단어를 음악에 암호화하여 삽입했다. 이는 일종의 지적 유희이자, 음악을 단순한 청각적 경험을 넘어 해독과 발견의 대상으로 만드는 방식이었다. B-A-C-H 모티프는 이러한 전통의 가장 유명한 사례 중 하나이며, 후대 작곡가들이 이를 반복적으로 사용함으로써 하나의 음악적 관습으로 자리잡았다.

기악 장르별 응용 분석

B-A-C-H 모티프는 다양한 기악 장르에서 응용되었다. 특히 오르간 작품에서 이 모티프의 사용이 두드러지는데, 이는 바흐 자신이 오르간 음악의 대가였다는 점과 관련이 있다. 스테갈(Stegall)의 논문은 19~20세기 오르간 작곡에서 B-A-C-H 모티프가 어떻게 등장했는지를 추적한다. 오르간의 지속음과 풍부한 화성적 가능성은 이 모티프를 대위법적으로 전개하기에 이상적인 조건을 제공했다. 많은 작곡가들이 오르간을 위한 전주곡, 푸가, 코랄 변주곡에서 B-A-C-H 모티프를 주제로 삼았으며, 이는 바흐에 대한 경의를 표하는 동시에 오르간 음악의 전통을 계승하려는 의도였다.

합창과 코랄 작품에서도 이 모티프는 빈번히 사용되었다. 바흐의 코랄 편곡은 루터교 예배 음악의 정수로 평가받는데, 후대 작곡가들은 B-A-C-H 모티프를 코랄 선율과 결합시키거나, 코랄의 간주부에 삽입하는 방식으로 활용했다. 이는 바흐의 종교적·음악적 유산을 계승한다는 상징적 의미를 지닌다. 푸가 작품에서는 B-A-C-H 모티프가 주제(subject) 또는 대주제(countersubject)로 사용되며, 전개부에서 다양한 변형 기법을 통해 확장된다.

 

실내악과 관현악 장르에서도 B-A-C-H 모티프의 응용 사례를 찾을 수 있다. 현악 4중주, 피아노 트리오, 관현악 작품 등에서 이 모티프는 주제적 통일성을 제공하는 소재로 기능한다. 특히 변주곡 형식에서 B-A-C-H 모티프를 주제로 삼는 경우가 많은데, 이는 네 음이라는 간결한 구조가 무한한 변주 가능성을 제공하기 때문이다.

 

모티프의 변형 방식은 매우 다양하다. 전위(inversion)는 상승과 하강의 방향을 반대로 바꾸는 것으로, B♭-A-C-B♮이 B♭-B♮-A♭-A로 변형된다. 역행(retrograde)은 모티프를 거꾸로 연주하는 것으로, B♮-C-A-B♭이 된다. 반행(retrograde inversion)은 역행과 전위를 결합한 것이다. 확대(augmentation)는 각 음의 음가를 늘리는 것으로, 모티프를 느리고 장엄하게 만든다. 축소(diminution)는 반대로 음가를 줄이는 것으로, 모티프를 빠르고 경쾌하게 만든다. 리듬 변형은 각 음의 길이와 강세를 바꾸는 것으로, 같은 음높이 구조를 유지하면서도 전혀 다른 성격을 부여할 수 있다.

현대적 응용: 알고리즘 작곡 및 AI 모델과의 연계

21세기에 들어 B-A-C-H 모티프는 알고리즘 작곡과 인공지능 음악 생성 분야에서 새로운 의미를 획득하고 있다. 바흐의 음악은 구조적 명료성과 논리적 일관성으로 인해 컴퓨터 모델링의 이상적인 대상이 되어왔다. 특히 코랄 화성화는 명확한 규칙과 양식적 관습을 가지고 있어, 기계 학습 모델의 훈련 데이터로 적합하다.

 

DeepBach 모델은 바흐의 코랄 스타일에 기반한 생성 모델로, 주어진 선율에 대해 바흐 스타일의 4성 화성을 자동으로 생성한다. 이 모델은 순환 신경망(RNN)과 주의 메커니즘(attention mechanism)을 활용하여, 바흐의 화성 진행 규칙과 성부 진행 원칙을 학습한다. DeepBach는 전문 음악가들을 대상으로 한 블라인드 테스트에서 실제 바흐의 작품과 구별하기 어려운 수준의 결과를 보여주었다. 이 모델에서 B-A-C-H 모티프를 입력 조건으로 제공하면, 해당 모티프를 중심으로 전개되는 바흐 스타일 화성화를 생성할 수 있다.

BacHMMachine은 바흐풍 4성 코랄 자동 화성화 모델로, 음악 이론 원칙과 확률 모형을 결합한 방식을 사용한다. 이 시스템은 은닉 마르코프 모델(Hidden Markov Model)을 기반으로 하며, 바흐의 코랄 작품에서 추출한 통계적 패턴을 활용한다. 음악 이론의 명시적 규칙(예: 평행 5도 금지, 성부 교차 제한 등)을 제약 조건으로 포함시켜, 이론적으로 타당하면서도 바흐의 스타일을 반영하는 화성을 생성한다. B-A-C-H 모티프는 이 시스템에서 특정 화성 진행을 유도하는 단서로 작용할 수 있다.

 

구글의 Bach Doodle 프로젝트는 2019년 바흐 탄생 334주년을 기념하여 공개된 인터랙티브 AI 프로젝트이다. 사용자가 간단한 멜로디를 입력하면, 시스템이 실시간으로 바흐 스타일의 4성 코랄 화성을 생성해준다. 이 프로젝트는 Coconet이라는 신경망 모델을 사용하는데, 이는 컨볼루션 신경망(CNN)을 활용하여 부분적으로 제공된 음악 정보를 완성하는 방식으로 작동한다. Bach Doodle은 수백만 명의 사용자가 바흐의 음악 스타일을 직접 체험할 수 있게 함으로써, AI 음악 생성의 대중화에 기여했다.

 

BachDuet는 AI와 실시간 듀엣 연주가 가능한 인터랙티브 시스템이다. 연주자가 한 성부를 연주하면, AI가 다른 성부를 바흐 스타일로 자동 생성하여 함께 연주한다. 이는 단순한 자동 반주를 넘어, AI가 연주자의 표현과 템포 변화에 반응하며 적응적으로 음악을 생성하는 방식이다. 이러한 시스템에서 B-A-C-H 모티프를 주제로 설정하면, 모티프를 중심으로 한 즉흥적 대위법 연주를 AI와 함께 실현할 수 있다.

 

이러한 시스템들에서 B-A-C-H 모티프를 구현하거나 통제 변수로 삼는 가능성은 매우 흥미롭다. 예를 들어, 사용자가 B-A-C-H 모티프를 입력하면 시스템이 이를 인식하고, 바흐의 작품에서 이 모티프가 사용된 맥락을 참조하여 화성화나 대위법적 전개를 생성할 수 있다. 또한 모티프 중심 작곡 알고리즘을 설계하여, B-A-C-H 모티프를 다양한 변형 기법으로 전개하는 자동 작곡 시스템을 구축할 수도 있다. 이는 전통적인 동기적 작곡법(motivic composition)을 AI 시대에 재현하는 시도가 될 것이다.

비판적 고찰 및 한계

B-A-C-H 모티프 해석에는 여러 한계와 비판의 여지가 존재한다. 첫째, 모티프 발견의 주관성 문제이다. 음악 분석가나 연구자가 작품에서 B-A-C-H 모티프를 '발견'했다고 주장할 때, 이것이 작곡가의 의도적 인용인지, 아니면 우연의 산물인지 판별하기 어려운 경우가 많다. 네 음의 연쇄는 음악에서 빈번히 나타날 수 있는 패턴이므로, 모든 B♭-A-C-B♮ 음형을 바흐에 대한 의도적 참조로 해석하는 것은 과도한 해석일 수 있다.

 

둘째, 일부 작품에서 발견되는 모티프 유사성이 실제로는 우연이거나 후대 해석의 과장일 가능성이 있다. 음악학자들은 때때로 자신의 해석을 뒷받침하기 위해 음악적 증거를 선택적으로 제시하는 경향이 있다. 이는 확증 편향(confirmation bias)의 일종으로, B-A-C-H 모티프를 찾고자 하는 의지가 실제로는 존재하지 않는 패턴을 발견하게 만들 수 있다.

 

셋째, AI와 알고리즘 모델에서 모티프 중심 제어가 실제 음악적 품질에 미치는 영향은 아직 충분히 검증되지 않았다. B-A-C-H 모티프를 생성 조건으로 제공한다고 해서 자동으로 음악적으로 우수한 결과가 나오는 것은 아니다. 오히려 모티프에 지나치게 집중하다 보면, 전체적인 음악적 흐름이나 화성적 논리가 훼손될 수 있다. 음악은 개별 모티프의 집합이 아니라 유기적 전체이므로, 모티프 중심 접근만으로는 충분하지 않다.

 

넷째, 모티프 중심 접근이 음악 전체의 문맥이나 감정 구조를 과도하게 단순화시킬 위험이 있다. B-A-C-H 모티프는 분명 의미 있는 음악적 요소이지만, 이것만으로 바흐의 음악이나 그것을 차용한 후대 작품들을 설명할 수는 없다. 음악의 의미는 멜로디, 화성, 리듬, 형식, 텍스처, 표현 등 다양한 요소들의 상호작용에서 발생하며, 단일 모티프로 환원될 수 없다.

 

다섯째, 상징적 해석의 과잉 문제이다. 앞서 언급했듯이, B-A-C-H 모티프에 종교적, 철학적, 신학적 의미를 부여하려는 시도들이 있지만, 이러한 해석은 종종 실증적 근거가 부족하다. 바흐가 실제로 그러한 상징적 의미를 의도했는지는 알 수 없으며, 이는 후대 해석자들의 투사일 가능성이 크다. 음악적 사실과 상징적 해석을 구분하는 것이 중요하다.

결론 및 전망

B-A-C-H 모티프는 단순한 네 음의 연쇄를 넘어, 음악사적 전통, 작곡가의 정체성, 그리고 현대 기술이 교차하는 독특한 지점에 위치한다. 바흐 자신이 자작곡에서 이 모티프를 사용한 이래, 수백 명의 작곡가들이 이를 차용하고 변형하며 자신만의 음악적 메시지를 담아왔다. 이는 음악이 단순히 소리의 배열이 아니라, 역사와 전통, 의미와 상징을 담는 문화적 실천임을 보여준다.

 

19세기 낭만파 작곡가들에게 B-A-C-H 모티프는 바흐에 대한 경의와 존경을 표현하는 수단이었다. 20세기 현대 작곡가들에게는 음악사적 연속성을 확인하고 자신의 음악적 정체성을 정립하는 도구였다. 그리고 21세기 AI 작곡 시대에 이 모티프는 전통과 기계적 생성을 연결하는 상징적 고리로 기능할 수 있다. DeepBach, BacHMMachine, Bach Doodle, BachDuet 같은 시스템들은 바흐의 음악 스타일을 학습하고 재현하는 과정에서, B-A-C-H 모티프를 하나의 음악적 단서이자 통제 변수로 활용할 수 있다.

 

그러나 모티프 중심 접근의 한계를 인식하는 것도 중요하다. B-A-C-H 모티프는 의미 있는 음악적 요소이지만, 이것만으로 음악의 전체를 설명할 수는 없다. 해석의 주관성, 우연과 의도의 구별, 과잉 해석의 위험, AI 모델에서의 실제 효과 등에 대한 비판적 검토가 필요하다. 음악적 사실과 상징적 해석, 역사적 맥락과 현대적 응용을 균형있게 고려하는 것이 중요하다.

 

향후 연구 가능성은 다양한 방향으로 열려 있다. 첫째, 비서양 음악과의 접목이다. B-A-C-H 모티프는 서양 음악의 12평균율 체계를 전제로 하지만, 이를 다른 음계 체계나 조율법에 적용하면 어떤 결과가 나올지 탐구할 수 있다. 예를 들어, 한국의 전통 음계나 인도의 라가(raga) 체계에서 B-A-C-H 모티프에 상응하는 음형을 찾거나, 해당 문화권의 작곡가 이름을 음으로 변환하는 시도가 가능할 것이다. 이는 문화적 경계를 넘어 '음악적 서명'이라는 개념을 확장하는 작업이 될 것이다.

 

둘째, 모티프 중심 멀티모달 기계 학습 모델의 개발이다. 현재의 AI 음악 생성 모델들은 주로 음악적 데이터만을 학습하지만, 텍스트, 이미지, 비디오 등 다양한 모달리티를 결합한 멀티모달 학습이 가능하다. B-A-C-H 모티프를 중심으로, 바흐의 생애, 그의 작품에 대한 문헌, 바로크 시대의 시각 예술 등을 함께 학습하는 모델을 구축한다면, 더욱 풍부한 맥락 속에서 음악을 생성할 수 있을 것이다. 이는 음악을 단순한 음향 패턴이 아닌 문화적·역사적 맥락 속의 현상으로 이해하고 생성하는 AI를 가능하게 할 것이다.

 

셋째, 실시간 모티프 기반 협업 작곡 시스템의 구현이다. 여러 연주자나 작곡가가 네트워크를 통해 연결되어, B-A-C-H 모티프를 공유 주제로 삼아 실시간으로 음악을 함께 만들어가는 시스템을 상상할 수 있다. AI는 각 참여자의 음악적 아이디어를 조율하고, 모티프의 일관성을 유지하며, 새로운 변형 가능성을 제안하는 역할을 할 수 있다. 이는 전통적인 즉흥 연주와 현대 기술을 결합한 새로운 형태의 음악적 협업이 될 것이다.

 

넷째, 교육적 응용의 확대이다. B-A-C-H 모티프는 음악 이론과 작곡 기법을 가르치는 훌륭한 교재가 될 수 있다. 학생들이 이 모티프를 다양한 방식으로 변형하고 전개하는 과정에서, 대위법, 화성법, 형식론 등 음악의 핵심 원리를 체득할 수 있다. AI 도구들은 학생들의 시도에 즉각적인 피드백을 제공하고, 역사적 사례들과 비교하며, 새로운 가능성을 제안함으로써 학습을 촉진할 수 있다. 특히 음악 교육에 접근하기 어려운 환경에 있는 학생들에게, AI 기반 B-A-C-H 모티프 학습 시스템은 훌륭한 교육 자원이 될 것이다.

다섯째, 음악치료 및 웰빙 응용 분야이다. 바흐의 음악은 오랫동안 치유적 효과가 있다고 여겨져 왔다. B-A-C-H 모티프를 중심으로 한 개인 맞춤형 음악 생성 시스템은, 사용자의 심리 상태나 선호에 따라 적절한 음악을 실시간으로 생성하여 제공할 수 있다. 이는 단순히 기존 음악을 재생하는 것을 넘어, 각 개인에게 최적화된 음악적 경험을 창조하는 것이다.

 

여섯째, 음악학 연구 방법론의 혁신이다. AI 도구들은 방대한 음악 작품들에서 B-A-C-H 모티프의 사용 패턴을 자동으로 검색하고 분석할 수 있다. 이는 인간 연구자가 수십 년에 걸쳐 수행해야 할 작업을 짧은 시간에 완수할 수 있게 한다. 또한 통계적 분석을 통해 모티프 사용의 역사적 추세, 지역적 차이, 작곡가별 특징 등을 객관적으로 파악할 수 있다. 이는 직관과 해석에 의존하던 전통적 음악학에 데이터 기반 접근을 보완하는 것이다.

 

일곱째, 음악적 유산의 보존과 접근성 향상이다. B-A-C-H 모티프를 사용한 수백 작품들은 현재 악보로만 존재하거나, 연주 기회가 드물어 대중에게 알려지지 않은 경우가 많다. AI 기반 자동 연주 시스템이나 가상 오케스트라를 활용하면, 이러한 작품들을 음향으로 실현하여 더 많은 사람들이 접할 수 있게 할 수 있다. 또한 멸실되거나 훼손된 악보를 AI가 복원하거나 완성하는 작업도 가능할 것이다.

 

결론적으로, B-A-C-H 모티프는 과거와 현재, 전통과 혁신, 인간과 기계를 잇는 음악적 유산이다. 이 네 음의 연쇄는 단순해 보이지만, 그 안에는 바흐라는 한 개인의 정체성, 300년에 걸친 음악사적 전통, 그리고 미래의 무한한 가능성이 담겨 있다. AI 시대를 맞이하여 우리는 이 모티프를 새로운 방식으로 탐구하고 응용할 기회를 얻었다. 그러나 기술적 가능성에 도취되어 음악의 본질을 잊어서는 안 된다. B-A-C-H 모티프의 진정한 가치는 네 음 자체가 아니라, 그것이 불러일으키는 인간의 창조성, 역사에 대한 존중, 그리고 음악을 통한 소통과 공감에 있다. 따라서 향후 연구와 응용은 기술적 성취와 인문학적 성찰을 균형있게 추구해야 할 것이다. B-A-C-H 모티프는 계속해서 우리에게 묻는다: 음악이란 무엇인가, 전통을 계승한다는 것은 무엇인가, 그리고 인간과 기계가 함께 음악을 만든다는 것은 어떤 의미인가. 이 질문들에 대한 답을 찾아가는 과정 자체가, B-A-C-H 모티프가 제공하는 가장 큰 선물일 것이다.